Zurich, December 17th, 2024
James Franco in conversazione con Jérôme Sans
Sei nato nel 1978 a Palo Alto, in California. Tua madre è un’autrice, tuo padre gestiva un’impresa nella Silicon Valley, e tua nonna era la direttrice della Verne Art Gallery a Cleveland. Com’era l’ambiente culturale in cui sei cresciuto? La tua famiglia ti ha introdotto al mondo dell’arte?
JF I miei genitori si sono conosciuti alla Stanford University. Entrambi erano pittori, ma mio padre ha avuto un crollo psicologico durante il college e ha smesso di dipingere. Si è orientato verso la matematica e poi ha frequentato una scuola di economia. Mia madre si è dedicata alla scrittura di libri per bambini. C’era molta creatività in casa. Quando ero adolescente, ero già interessato a tre discipline: recitazione, scrittura e arte visiva. Ho iniziato a combinare guai fin da giovane. Dopo averne combinati abbastanza, ho capito che dovevo cambiare. Ho smesso di fare festa e ho iniziato a frequentare corsi di arte dopo scuola, dalle tre alle dieci di sera, tutti i giorni. Pensavo di fare la cosa giusta, ma quando mio padre ha scoperto quanta arte stavo facendo, si è arrabbiato e mi ha detto che era troppo. Con il senno di poi, mi sono reso conto che forse lui reagiva in quel modo perché aveva abbandonato l’arte dopo il suo crollo. Da un lato, ho avuto un’infanzia molto positiva. Dall’altro, però, ho percepito molta resistenza verso la creatività, perché lui era così sensibile a quel tema.
E lui sapeva cosa significava. Forse lo faceva per proteggerti?
JF Da un lato, penso di sì. Aveva paura per me, per la vita da artista. L’aveva vissuto in prima persona e pensava che fosse una strada folle per me.
“Penso che sia allo stesso Paradiso e Inferno. Il titolo non è una critica letterale a Hollywood. È come nel libro di Kenneth Anger Hollywood Babylon, dove prende tutte queste vecchie star del cinema, tutte queste tragedie e drammi, e anche se esagera, lo trasforma quasi in una religione. Hollywood diventa un segno di qualcosa di più grande. È quello che sto cercando di fare. Voglio che rappresenti un’intera sorta di etica mistica.”
In mezzo a tutto ciò, quando e come hai deciso che saresti diventato un artista visivo?
JF Trovo che nella vita si agisca, e poi che sia l’universo ad indicare la strada. Facevo già arte visiva al liceo, ma i miei genitori non mi lasciavano andare alla scuola d’arte. Non volevano pagarmela. Volevo andare alla RISD, la Rhode Island School of Design, ma mi dissero di no. Avrebbero pagato solo un’educazione nelle arti liberali. Così sono andato alla UCLA e mi sono trasferito a Los Angeles per studiare letteratura come studente universitario. Tutti lì lavoravano nell’industria del cinema, che era anche un’altra delle mie passioni. Alla fine, ho deciso di lasciare la UCLA e andare a scuola di recitazione. Mio padre era arrabbiato. Mi disse che ero uno sciocco, perché pensava che, col tempo, non sarei riuscito a mantenere me stesso. Il mio insegnante di recitazione mi disse: “A volte bisogna scommettere su se stessi.” E così ho fatto, e la mia carriera professionale è iniziata come attore, anche se in realtà avevo iniziato con l’arte visiva prima. Quando avevo circa 26 anni, avevo una carriera da attore ma mi sentivo un po’ insoddisfatto. C’erano cose nella recitazione che erano davvero belle, ma c’erano anche altre vie creative che volevo esplorare. Sono tornato alla UCLA, poi sono andato a scuola di cinema e di scrittura, e infine sono arrivato alla RISD, che ho pagato io stesso. È stato in quel periodo che la mia carriera artistica è iniziata professionalmente, circa 15 anni fa.
Come descriveresti la tua pratica artistica?
JF Ho frequentato molti di questi programmi MFA (Master of Fine Arts). Una delle cose che fanno lì è aiutarti a trovare la tua espressione. Mentre facevo questo e seguivo i corsi, pensavo a qual era il mio posto. Essendo in tutti questi mondi diversi – regia, recitazione, scrittura, arte visiva – ho scoperto che molte delle cose che stavo creando si trovavano a cavallo di tutte queste discipline. Alcuni dei temi, dei materiali con cui lavoravo, riguardavano l’esperienza di essere stato in un certo ambito – l’industria cinematografica – e poi prendere quel materiale e trasferirlo in un altro ambito. Questo è quello che facevano molti dei miei artisti visivi preferiti. Quando avevo vent’anni, ho conosciuto il lavoro di artisti come Paul McCarthy a Los Angeles, l’artista scozzese Douglas Gordon, il francese Pierre Huyghe, Cindy Sherman, il regista underground Kenneth Anger. Tutti questi artisti prendevano il cinema come materiale di partenza, e poi lo trasformavano, creando arte. Mi piaceva questo approccio, perché era un modo di interagire con Hollywood e il cinema, di usare tutto il materiale e i segni, ma non per un output cinematografico commerciale, bensì per un altro scopo. Mentre tutti questi artisti sono fuori da Hollywood, cercandone materiale, io sono dentro Hollywood. A volte faccio un passo di lato e poi cerco di creare qualcosa di nuovo. In questo modo, sono dentro e fuori allo stesso tempo. Questa è la mia vera posizione.
Forse è la posizione di ognuno di noi. Siamo sempre dentro e fuori. A volte mi sembra di essere fuori nel mio mondo. È una buona posizione per essere sempre creativi, perché se sei solo dentro, sei troppo comodo. Questo mi porta alla domanda sulla tua mostra che inauguri alla Gmurzynska Gallery intitolata Hollywood is Hell. Perché questo titolo? È davvero l’Inferno?
JF Penso che sia allo stesso Paradiso e Inferno. Il titolo non è una critica letterale a Hollywood. È come nel libro di Kenneth Anger Hollywood Babylon, dove prende tutte queste vecchie star del cinema, tutte queste tragedie e drammi, e anche se esagera, lo trasforma quasi in una religione. Hollywood diventa un segno di qualcosa di più grande. È quello che sto cercando di fare. Hollywood non riguarda solo le persone che lavorano nel business letteralmente facendo film, con agenti, ecc. Voglio che rappresenti un’intera sorta di etica mistica.
Per questa mostra, esponi per la prima volta una serie di lavori che de-costruiscono una certa mitologia glamour di Hollywood, con figure che vanno da Bruce Willis a John Travolta. Cosa significa per te questa serie?
JF Diventano dei segni. Non si tratta necessariamente di Bruce Willis. A Hollywood, l’interprete o la star diventa un’icona, un segno. Le persone prendono quell’immagine e la riutilizzano per ogni tipo di cosa, a volte con il permesso della persona per una pubblicità. Come nel caso del pezzo con Bruce Willis, quando ho visto quella pubblicità a una fermata dell’autobus ad Atene, ho pensato che fosse perfetta. Era una pubblicità per una bevanda energetica o soft drink (prodotta in Grecia, perché la bevanda Hell non esiste negli Stati Uniti, per quanto ne sappia). Capisco che lui abbia fatto quella pubblicità, non lo giudico. Si chiamava Hell e mi è sembrato che tutto si collegasse perfettamente. Ho iniziato a realizzare questa serie durante la pandemia. Mentre camminavo per Los Angeles in quel periodo, la città era vuota, post-apocalittica. Scattavo foto delle cose intorno a me, come i manifesti che stavano crollando. Era una terra desolata, e così anche il cuore di Hollywood, la fabbrica dei sogni, dove tutta la magia viene fatta. Mi sono davvero interessato a questa dicotomia, che torna a questa nozione di Paradiso e Inferno. Ho messo insieme e fatto dei collage tra questi diversi aspetti di Hollywood, dove sono in gioco i nostri sogni collettivi, dove tutti, specialmente durante la pandemia, stavamo solo guardando e riguardando, perché quello era tutto ciò che potevamo fare. E allo stesso tempo, il luogo reale era solo una terra vuota e desolata.
“Credo davvero nell’idea di praticare ogni giorno. Anni fa ho fatto diverse mostre d’arte, poi mi sono fermato. Durante la pandemia, ho letto il libro del critico Jerry Saltz How to Be an Artist. Ci sono suggerimenti sulla creatività. Uno di questi era semplicemente disegnare ogni giorno. Da lì è ricominciato tutto, e ho iniziato a disegnare tutti i giorni. Poi è stato un crescendo, e ancora oggi seguo questa idea di fare pratica ogni giorno.”
Che ruolo ha l’arte nella tua vita? Consideri il tuo lavoro come autobiografico, come una forma di autoritratto?
JF Penso di sì. Continuo a tornare all’immagine del dentro/fuori. Quando esco fuori, c’è comunque un’icona, una figura, che è “James Franco”. Quindi è difficile per me come artista sfuggire a questa immagine. Immagino di abbracciarla. Capisco che uno dei miei caratteri è che sono un attore e regista che entra nel mondo dell’arte. Ovviamente, ci sono molti attori che conosco che dipingono, ma è una cosa rara entrare nel vero mondo dell’arte commerciale.
Potresti dire che sei un artista che entra nel mondo del cinema.
JF Preferirei dire così.
Ho letto che ti circondi sempre di uno studio, arrivando anche a creare uno studio mobile quando viaggi o sei sul set. Qual è il tuo processo creativo?
JF Sì, è vero. Credo davvero nell’idea di praticare ogni giorno. Anni fa ho fatto diverse mostre d’arte, poi mi sono fermato. Durante la pandemia, ho letto il libro del critico Jerry Saltz How to Be an Artist. Ci sono suggerimenti sulla creatività. Uno di questi era semplicemente disegnare ogni giorno. Da lì è ricominciato tutto, e ho iniziato a disegnare tutti i giorni. Poi è stato un crescendo, e ancora oggi seguo questa idea di fare pratica ogni giorno. Viaggiando molto, non ho sempre il mio studio. Però mi piace adattarmi a quello che ho a disposizione. Se ho solo un quaderno, uso penne diverse o inizio a fare dei collage. Quando ho uno studio, invece, posso fare cose più grandi.
Leggi l’intervista completa sul numero di febbraio, Issue 65.
