La grande mostra Rothko a Firenze, accompagnata da due sezioni satellite speciali presso il Museo di San Marco e la Biblioteca Medicea Laurenziana, instaura un dialogo che va oltre la celebrazione, interrogandosi su come la pittura di Mark Rothko continui a parlare allo spazio, al tempo e allo sguardo contemporaneo. Il percorso principale si sviluppa in ordine cronologico, permettendo ai visitatori di seguire l’evoluzione di un linguaggio che non nasce improvvisamente come astrazione, ma attraversa figure, miti, simboli e inquietudini interiori prima di approdare ai celebri campi di colore. Le opere degli anni Trenta e Quaranta rivelano un artista profondamente immerso nella tradizione europea e nelle tensioni psicologiche del suo tempo: corpi compressi, interni silenziosi, composizioni che sembrano già cercare un equilibrio fragile tra ordine e dissonanza. È in questi lavori che il legame con l’arte italiana emerge in modo sottile, più come struttura sottesa che come citazione esplicita. Il passaggio ai Multiforms segna una svolta decisiva. Le figure si dissolvono, lo spazio si apre e il colore inizia a respirare sulla tela. Non si tratta di un ritiro dal mondo, ma del tentativo di raggiungerne una dimensione più profonda e meno descrittiva.
Opening Image: Left: Mark Rothko, Untitled, 1969. Right: Mark Rothko, Four Darks in Red, 1958.
Le grandi tele degli anni Cinquanta e Sessanta, provenienti da importanti collezioni internazionali, non chiedono uno sguardo frettoloso: esigono tempo e silenzio. Il colore non è mai decorativo, ma agisce come un campo emotivo nel quale lo spettatore è invitato a entrare, abbandonandosi alle superfici vibranti di Rothko. Con il passare degli anni, la tavolozza dell’artista si fa più scura e trattenuta. Verdi, blu, bruni e infine neri non sono segni di chiusura, ma di estrema concentrazione.
Il rapporto con l’architettura diventa sempre più evidente: soglie, portali, spazi compressi o negati risuonano direttamente con riferimenti fiorentini, in particolare con il Vestibolo michelangiolesco della Laurenziana. Qui la pittura di Rothko sembra confrontarsi con la storia non attraverso l’imitazione, ma per affinità spirituale. Le sezioni satellite al Museo di San Marco e alla Biblioteca Medicea Laurenziana rafforzano questa lettura. L’incontro con gli affreschi del Beato Angelico non è né forzato né didascalico: nonostante i secoli che li separano, entrambi gli artisti condividono l’idea che la pittura possa essere un’esperienza di trascendenza. Se Angelico utilizza la figurazione e la luce per rendere visibile il divino, Rothko affida al colore il compito di evocare stati interiori complessi, sospesi nell’intimità. In una città satura di immagini e memoria, Rothko a Firenze apre uno spazio raro di ascolto.
Per maggiori informazioni palazzostrozzi.org.
